Il coreografo Andrea Costanzo Martini e la videomaker Cindy Séchet sono in residenza creativa a Villa Nappi per lavorare allo spettacolo La camera du roi dal 2 al 13 aprile.

Il progetto La camera du roi nasce dalla collaborazione del Coreografo Andrea Costanzo Martini assieme all’artista Video Cindy Sechet.
I primi passi della creazione avvengono in seno all’azione “Motori di Ricerca” organizzato da Chiara Castellazzi in collaborazione con BTT, Piemonte dal Vivo e Charleroi Danse.
Dopo 20 giorni di residenza una prima bozza del lavoro, di una quarantina di minuti, emerge già completamente delineata nella struttura e nella fantasia.

Un re, una telecamera, uno schermo gigante.
Un mondo distopico in cui un personaggio inverosimile, un ipotetico Re francese alla prime armi con il balletto, viene accompagnato nel suo megalomane desiderio di performance da una telecamera con una volontà propria, e da uno schermo gigante degno di una popstar.
Un re, vestito solamente della propria immagine e del proprio ruolo. Questo personaggio ricerca l’eccellenza e la precisione del gesto, in maniera inequivocabile. Combatte contro forze altre per poter imporre il proprio disegno e il proprio linguaggio. Il suo sforzo, malcelato, è quello di offrirsi sempre al meglio nonostante l’incontro violento tra la sua volontà e la realtà di un corpo frammentato e scomposto, che poco a nulla vuol sapere di obbedire al suo ego. Si smonta e rimonta in continuazione alla ricerca della posa perfetta per poi farsi sfuggire un dettaglio fondamentale. Si allunga, si contorce, si raddrizza, si offre in mille modi e versioni. Consapevole dell’occhio critico del pubblico si accanisce in una ricerca di virtuosismo estremo, di totale controllo, per poi lasciarsi sconfiggere suo malgrado da fantasmi più forti di lui.
Un uomo solo, ossessionato dalla necessità di essere ammirato, amato, osservato e allo stesso tempo imprigionato da uno sguardo che non si spegne mai.
Proprio l’esplorazione dello sguardo è uno dei temi principali di questo lavoro e in generale un filo conduttore della mia ricerca coreografica: cosa significa darsi a vedere ad un pubblico e come può l’immagine, il personaggio, aiutare il performer a rimanere presente sul palcoscenico.
Lo sguardo del pubblico ha un potere sulla carne, la può ammorbidire quando questa accetta che esso si posi su di lei, o la può rendere corazza impenetrabile. Il modo in cui il performer accoglie gli occhi del pubblico si riflette nella sua performance. Il suo stesso sguardo può diventare un invito o una promessa di battaglia. Lo sguardo è una delle porte tra ciò che sta dentro e ciò che sta fuori, in stretta relazione con la pelle, e con tutti i sensi del corpo. Il senso stesso dello spettacolo, per me, si trova nel gioco tra ciò che si vuole e dare a vedere e ciò che si da a vedere per necessità. Il re è personaggio pubblico, come il danzatore, oggetto di scrutinio continuo.
E se questo continuo essere sotto la lente d’ingrandimento, al centro dell’attenzione, risponde certamente al desiderio narcisistico di affermazione della propria immagine tipico del re, esso può trasformarsi in paranoia, la caratteristica comune a tutti i potenti. La certezza, il terrore, di uno sguardo impietoso che non si ferma di fronte a nulla.
Come quello della telecamera
La telecamera, estensione dell’occhio del pubblico che arriva oltre ai limiti del palcoscenico, che testimonia il prima e il dopo di ciò che viene dato a vedere normalmente allo spettatore; la telecamera che trasforma qualcosa di banale in oggetto sublime del desiderio; la telecamera che offre uno sguardo altro rispetto a quello frontale dell’audience; la telecamera guardona che esplora, che si insinua, che si avvicina’ che spia; la telecamera che inganna; la telecamera complice, che respira, che danza e si muove all’unisono col performer; la telecamera che crea una realtà terza, meravigliosa quanto inesistente ma più vera del vero; la telecamera che non è nulla senza una mano che la sorregga, senza un occhio nel mirino, senza un oggetto da immortalare. La relazione tra ciò che la camera da a vedere e ciò che effettivamente succede viene messa in discussione, così come la necessità di avere un controllo sulla propria immagine.
Dietro alla telecamera una persona, presente ma invisibile per la maggior parte del tempo, a volte involontariamente, percorre lo spazio dei camerini rendendoli palcoscenico di situazioni inverosimili, come il set set di un film, a volte giallo, a volte commedia , a volte horror.
Come in un film, il montaggio è un elemento chiave della coreografia.
Effetti speciali, editing, moviola e stop motion vengono messi al microscopio, esplorati non solo come strumenti cinematografici ma come opzioni coreografiche.
Sulla scena un enorme schermo mette in risalto ciò che veramente è centrale nel lavoro, vale a dire l’immagine stessa, servita al meglio.
A volte è solo il maxischermo a dominare lo spazio; a volte invece agisce in sinergia con il performer presente sul palcoscenico, mettendo in discussione cosa sia più importante, l’immagine finale o il modo in cui essa viene prodotta.
Lo schermo diventa un’arma a doppio taglio. Se da un lato offre al performer un duplicato di sé permettendogli di occupare ancora più spazio nella cornice del palcoscenico, dall’altra grazie alla sua dimensione, brillantezza, velocità e punto di vista privilegiato , gli ruba la scena, costringendolo a una impossibile lotta contro sé stesso.
Nel processo creativo ci siamo domandati che cosa sia l’immagine oggi, e quali siano i sistemi per renderla il più efficace possibile.
Ci siamo posti come limite la presa diretta e l’uso esclusivo della telecamera di Cindy, piuttosto semplice nelle opzioni. La sfida si è dunque spostata sul campo della manipolazione “live” dell’immagine. Cindy si cimenta in un’impresa ai limite del possibile: creare un film in diretta con l’illusione di un montaggio.
Con le mani davanti all’obbiettivo taglia le immagini, le sfoca in una sorta di filtro “instagram” fatto in casa, accelera o rallenta e diventa a sua volta un oggetto coreografico. La sua presenza si rivela appieno nel momento in cui entra sulla scena e rivela il gioco in un crescendo virtuoso che include, in sincronia con il mio movimento, l’effetto slow motion, rewind, stop motion e quant’altro.
Si viene dunque a creare uno spazio nel quale al pubblico si propone una scelta: lasciarsi andare all’illusione, e quindi seguire solamente ciò che avviene sullo schermo, oppure seguire l’azione dal vivo, godendosi quindi lo spettacolo senza filtri, testimone della macchinosa operazione in atto. C’è una terza scelta, ovvero tentare di assorbire tutto, inclusa la relazione di potere che si instaura tra i vari elementi scenografici. Chi è a controllare lo show?
E’ il danzatore coreografo?
E’ la camerawoman?
E’ il re sullo schermo?
E’ la telecamera stessa?
La coerenza del lavoro non si basa più sulla narrazione ma sugli elementi, a prima vista disconnessi tra loro, e sulla nuova logica che la relazione tra questi viene a creare.
In tutto questo un sentimento emerge chiaro, ed è quello della solitudine estrema alla quale si auto-condanna il soggetto nel suo ossessivo riflettersi.
Per quanto riccamente vestito, il re è sempre nudo allo sguardo dell’innocente.